Сликарството е древен медиум и дури и со воведувањето на фотографијата, филмот и дигиталната технологија, сè уште остана постојан начин на изразување. Толку многу слики биле насликани во текот на десетици милениуми што само релативно мал процент од нив би можеле да се толкуваат како „безвременски класици“ кои станале познати на јавноста – и не случајно насликани од некои од најпознатите уметници на сите времиња.
Се остава отворено прашањето каков микс на талент, генијалност и околности доведува до создавање на ремек-дело. Можеби наједноставниот одговор е дека знаете еден кога ќе видите, во кој дел од светот е насликан.
Најпознати слики
1. Леонардо да Винчи, Мона Лиза, 1503–1919
Насликан помеѓу 1503 и 1517 година, примамливиот портрет на Да Винчи од денот на неговата реализација е оптоварен со две прашања: Кој е ликот на сликата и зошто таа се смее? Низ годините се понудени голем број теории за првата: Дека таа е сопруга на фирентинскиот трговец Франческо ди Бартоломео дел Џокондо (ерго, алтернативен наслов на делото, Ла Џоконда); дека таа е мајката на Леонардо, Катерина, измислена од сеќавањата на Леонардо за неа од детството; и конечно, дека тоа е автопортрет. Што се однесува до таа позната насмевка, нејзиниот енигматичен квалитет со векови ги полудувал луѓето. Без оглед на причината, изгледот на Мона Лиза на предприродно спокојно се вклопува со идеализираниот пејзаж зад неа, кој се раствора во далечината преку употребата на атмосферската перспектива на Леонардо.
2. Јоханес Вермер, Девојка со бисерна обетка, 1665 година
Студијата на Јоханес Вермер од 1665 година за една млада жена е запрепастувачки реална и неверојатно модерна, речиси како да е фотографија. Ова влегува во дебатата за тоа дали Вермер користел пред-фотографски уред наречен камера обскура за да ја создаде сликата или не. Ако го оставиме тоа настрана, девојката на сликата е непозната, иако се шпекулира дека можеби била слугинката на Вермер. Тој ја прикажува како гледа преку нејзиното рамо, заклучувајќи ги очите со гледачот како да се обидува да воспостави интимна врска низ вековите.
3. Винсент ван Гог, Ѕвездената ноќ, 1889 година
Најпопуларната слика на Винсент Ван Гог, Ѕвездената ноќ беше создадена од Ван Гог во азилот во Сен Реми, каде што се обврза во 1889 година. Навистина, Ѕвездената ноќ се чини дека ја одразува неговата бурна состојба на умот во тоа време, како ноќното небо оживува со вителки и топчиња од френетично нанесени траги од четки кои извираат од јин и јанг на неговите лични демони и стравопочит кон природата.
4. Густав Климт, Бакнежот, 1907–1908 година
Раскошно позлатениот и екстравагантен дезен, „Бакнежот“, портретирањето на интимноста на Густав Климт, е мешавина од симболика и виенски Југендстил, австриската варијанта на Арт Нову. Климт ги прикажува своите субјекти како митски фигури направени модерни од раскошни површини на современи графички мотиви. Делото е врв на Златната фаза на уметникот помеѓу 1899 и 1910 година, кога тој често користел златни листови – техника инспирирана од патувањето во базиликата ди Сан Витале во Равена, Италија во 1903 година, каде што ги видел познатите византиски мозаици на црквата.
5. Сандро Ботичели, Раѓањето на Венера, 1484–1486 година
„Раѓањето на Венера“ на Ботичели беше првиот целосен, нерелигиозен акт од антиката и беше направен за Лоренцо де Медичи. Се тврди дека фигурата на божицата на љубовта е моделирана по Симонета Катанео Веспучи, чии услуги наводно ги делеле Лоренцо и неговиот помлад брат Џулијано. Се гледа како Венера е поставена на брегот на џиновска школка од боговите на ветерот Зефир и Аура додека персонификацијата на пролетта ја чека на копно со наметка. Сосема очекувано, Венера го привлече гневот на Савонарола, доминиканскиот монах кој водеше фундаменталистичка акција против секуларните вкусови на Фиренцаните. Неговата кампања го вклучуваше злогласниот „Огнот на суетите“ од 1497 година, во кој „профаните“ предмети – козметика, уметнички дела, книги – беа запалени на клада. Раѓањето на Венера исто така било закажано за согорување, но некако избегнало уништување. Но, Ботичели бил толку разочаран од инцидентот што се откажал од сликањето на некое време.
6. Џејмс Абот Мекнил Вистлер, Аранжман во сиво и црно бр. 1, 1871 година
Whistler’s Mother, или аранжман во сиво и црно бр. 1, како што всушност е насловено, зборува за амбицијата на уметникот да се занимава со уметност заради уметноста. Џејмс Абот Мекнил Вистлер го насликал делото во неговото студио во Лондон во 1871 година, а во него формалноста на портретот станува есеј во форма. Мајката на Вистлер, Ана е сликана како еден од неколкуте елементи заклучени во распоред на прави агли. Нејзиниот строг израз се вклопува во ригидноста на композицијата, и донекаде е иронично да се забележи дека и покрај формалистичките намери на Вистлер, сликата стана симбол на мајчинството.
7. Јан ван Ејк, Портретот на Арнолфини, 1434 година
Едно од најзначајните дела произведени за време на Северната ренесанса, оваа композиција се верува дека е една од првите слики изведени во масло. Двоен портрет со целосна должина, наводно прикажува италијански трговец и жена која може или не може да биде негова невеста. Во 1934 година, прославениот историчар на уметност Ервин Панофски предложил сликата да е всушност свадбен договор. Она што може со сигурност да се каже е дека парчето е едно од првите прикази на ентериер со помош на ортогонална перспектива за да се создаде чувство за простор што изгледа соседно со сопствениот на гледачот; се чувствува како слика во која можете да влезете.
8. Хиеронимус Бош, Градината на земните задоволства, 1503–1515
Овој фантастичен триптих генерално се смета за далечен претходник на надреализмот. Навистина, тоа е израз на уметник од доцниот средновековен период кој верувал дека Бог и Ѓаволот, Рајот и Пеколот се вистински. Од трите прикажани сцени, на левата табла се гледа како Христос му ја претставува Ева на Адам, додека на десната се прикажани грабежот на пеколот; помалку јасно е дали централниот панел го прикажува Рајот. Во беспрекорната визија на Бош за пеколот, огромен сет на уши со фаличен нож ги напаѓа проклетите, додека кралот на бубачки со клун со птица со коморно тенџере за круна седи на неговиот престол, проголтувајќи ги осудените пред веднаш повторно да ги изврши нужда. Овој бунт на симболиката е во голема мера непропустлив за толкување, што може да биде причина за неговата широко распространета привлечност.
9. Жорж Сеурат, Неделно попладне на островот Ла Гранде Жат, 1884–1886
Ремек-делото на Жорж Сеура, евоцирајќи го Париз на La Belle Epoque, всушност ја отсликува приградската сцена од работничката класа надвор од центарот на градот. Сеура често го правеше ова милје за негова тема, што се разликуваше од буржоаските портрети на неговите импресионистички современици. Сеурат го отфрли пристапот на Мане, Моне и Дега во фаќање на моментот, наместо тоа, барајќи го чувството за безвременска трајност што се наоѓа во грчката скулптура. И токму тоа го добивате во оваа поворка на фигури слична на фриз, чијашто тишина е во склад со целта на Сеурат да создаде класичен пејзаж во модерна форма.
10. Пабло Пикасо, Les Demoiselles d’Avignon, 1907 г.
Ур-платно на уметноста од 20 век, Les Demoiselles d’Avignon ја воведе модерната ера со решително кршење на репрезентативната традиција на западното сликарство, инкорпорирајќи алузии на африканските маски што Пикасо ги видел во етнографскиот музеј во Париз во Palais du Trocadro. . Нејзината композициска ДНК ја вклучува и Визијата на Свети Јован (1608–1414) на Ел Греко, која сега виси во Метрополитен музејот на уметноста. Жените што се прикажани се всушност проститутки во бордел во родната Барселона на уметникот.
